Vous aimez la musique classique sans vraiment savoir pourquoi, vous êtes simplement curieux, ou vous n’avez jamais vraiment eu l’occasion de vous y plonger ? C’est exactement le point de départ de cette formation.

Le but est d’offrir une compréhension et une vision générale de l’histoire de la musique occidentale, de ses principes fondateurs et des genres musicaux qui la constituent.

Le principe : entrer dans l’histoire de la musique par la musique. Chaque point de départ est un extrait musical — on écoute, on identifie ce que l’on entend, puis on situe l’œuvre dans son contexte historique. Chaque séance couvre une ou deux périodes clés, en suivant le fil chronologique, pour révéler les connexions profondes entre les genres musicaux, l’évolution des instruments, les compositeurs, le contexte culturel et les influences internationales. Chacun repart avec un livret synthétisant les œuvres clés et des pistes d’écoute pour poursuivre ses propres découvertes.

Cette formation intéresse aussi particulièrement les musiciens en formation. Si la pratique régulière forge la technique, c’est l’écoute qui forge l’oreille et la culture musicale. Une partition ne contient pas tout — le style, le phrasé, l’esprit d’une époque s’acquièrent par l’imprégnation. Cette formation est le socle culturel que tout musicien devrait construire en parallèle de sa pratique.

Cette formation propose un voyage à travers le temps : des instruments à cordes pincées du Moyen Âge à la guitare classique moderne, mêlant musiques savantes et populaires, en Europe comme sur le continent américain. L’objectif n’est pas l’exhaustivité, mais de donner des repères solides pour s’ancrer davantage dans son propre cheminement de guitariste.

Elle est proposée en deux formats :

Format Découverte — 1 séance de 1h30
Une vue d’ensemble synthétique des grandes étapes de l’histoire de la guitare, avec écoutes musicales ciblées. Idéal pour acquérir rapidement les repères essentiels et replacer son répertoire dans son contexte historique.

Format Approfondi — 3 séances de 1h30
Un parcours progressif en trois temps : les racines médiévales et la Renaissance, la construction de la guitare moderne, puis l’ouverture vers l’Amérique latine et le monde contemporain. Chaque séance mêle contexte historique, écoutes et répertoire.

Il ne s’agit pas d’un stage pour connaisseurs — c’est une porte d’entrée. En trois séances de 1h30, l’objectif n’est pas la maîtrise mais l’expérience : repartir avec une première compréhension du flamenco, des sensations dans les mains, et l’envie d’aller plus loin.

Prérequis : avoir pratiqué la guitare sérieusement depuis au moins deux ans (niveau débutant confirmé à intermédiaire). Aucune expérience du flamenco n’est nécessaire — c’est justement le point de départ.

Le stage s’articule autour du toque por Alegrías, un style emblématique du répertoire flamenco, et progresse en trois temps : comprendre le contexte et l’esprit du flamenco, s’approprier ses premières techniques de jeu, puis tout mettre en pratique autour d’un accompagnement et de quelques falsetas.

 

Programme :

 

1) Entendre, sentir et comprendre

• Petit topo sur l’histoire du flamenco
• Principes musicaux et expressifs
• Compas et Jeu aux palmas : principe et comptage

 

2) Technique instrumentale

• Le geste et le son flamenco
• Posture et tenue de la main droite
• Jeu au pouce et chanterelle
• Rasgueados

 

3) Le toque por Alegrías

• L’accompagnement à la guitare (autour de deux accords
•  Jusqu’à 3 falsetas (phrases guitaristiques) selon la progression du groupe
• Mise en application de l’ensemble des acquis

L’improvisation peut s’aborder simplement, sans bases théoriques. Un cadre de jeu et quelques consignes suffisent pour en saisir les enjeux et développer très vite un discours musical expressif et structuré. Elle désacralise la partition pour mieux entrer dans l’interprétation, et libère une créativité que la lecture seule ne sollicite pas.

Prérequis : avoir pratiqué la guitare sérieusement depuis au moins deux ans (niveau débutant confirmé à intermédiaire). Aucune expérience de l’improvisation n’est nécessaire — c’est justement le point de départ.

 

Programme :

 

1) Démystifier l’improvisation

• L’improvisation dans l’histoire : un acte musical universel et premier
• Écoutes : exemples simples et accessibles (pas uniquement jazz)
• Premier exercice : une gamme, tester chaque intervalle avec la tonique

 

2) Construire un discours

• La contrainte comme outil de liberté : jouer avec 2 ou 3 notes imposées
• Construire des motifs (ryth./harm.) : répétition, variation, transformation
• Rythme et polyrythmie
• La nappe sonore comme tapis harmonique : tester, écouter, choisir
• Consonance et dissonance : l’oreille comme boussole

 

3) Jouer ensemble

• Improvisation à deux : écoute mutuelle, dialogue, espace
• Apprendre à prendre le temps — laisser respirer le discours
• Retour sur l’expérience : ce que l’improvisation change dans l’interprétation

Programme :

 

1) Contexte et écoute

• Écoute d’extraits musicaux
• Point historique : les racines de la musique argentine et ses liens avec la guitare
• Principes musicaux et expressifs : force et caractère
• Figures emblématiques à écouter (liste fournie)
• Sources pour se procurer des letras (textes chantés)

2) Rythme et accompagnement

• Les procédés rythmiques
• Les principales claves (motifs rythmiques types)
• Jeu de rythmes aux palmas
• Modèles d’accompagnement pour letras (2 accords + formule conclusive)

3) Technique instrumentale

• Coordination main droite / main gauche
• Jeu d’accompagnement et jeu au pouce
• Projection sonore

4) La pièce : Zamba de Vargas*

• Analyse de la partition (cadence, motif rythmique, structure)
• Repérage des phrases (respirations, articulations)
• Mise en place partie par partie, à deux guitares
• Analyse et résolution des difficultés techniques

Il est fortement conseillé de venir équipé de quoi prendre des notes ou filmer les éléments clefs.

Le rythme est vivant. Comme notre pas, qui prend appui sur un pied pour élancer l’autre vers l’avant, le rythme en musique est avant tout un mouvement, une dynamique, un élan, un rebond. Ce qui nous en éloigne, c’est souvent la croyance qu’il faille le tenir de façon mécanique, à la manière d’une machine — alors qu’il s’agit de quelque chose d’organique, fait de matière et de volonté. Ce stage propose d’explorer le rythme par le corps, la voix et le jeu collectif, avant de poser les bases de son écriture.

Aucun prérequis musical n’est nécessaire. Ce stage s’adresse à toute personne curieuse de mieux habiter la musique.

Au programme :

• Mise en mouvement corporelle et synchronisation collective
• Exploration vocale par les onomatopées — jeu de motifs et dynamique
• Polyrythmie et contretemps — jeu collectif
• Écoutes comparées (Afrique, Espagne, Cuba… là où le rythme est au cœur de la forme musicale) — l’obsession du “beat machine” ne fait pas partie des traditions populaires mais apparaît avec l’industrie culturelle : pop, rock, disco etc.
• Introduction à l’écriture des figures de rythme — intuitive d’abord, codifiée ensuite
• Improvisation et jeux rythmiques